Más allá de Guanajuato es un programa que incluye 20 países de AL Con apoyo del Canal 22 y otras televisoras, se grabarán 24 eventos Este año las sedes de Alianza Francesa en toda américa pero en especial de los países invitados al cervantino; Colombia, Chile y Perú transmitirán varios eventos y realizaran actividades en torno a estos. Jorge Volpi director del FIC y Marc Cerdan Director General Alianza Francesa de México nos hablan de este proyecto conjunto.
Encuentra la sede de Alianza Francesa mas cercano a ti para disfrutar de la transmisión de los eventos del Cervantino 2015 en
Con 11 años comienza a tocar la guitarra, trasladándose a Jerez de la Frontera para tomar clases con el maestro José Luis Balao.
Un año después empieza a tomar contacto directo con el flamenco en la Venta de Vargas, donde conoce y hace sus pinitos acompañando en fiestas a cantaores como Rancapino o Chato de la isla.
Años más tarde comienza de guitarrista oficial en el Concurso Nacional Memorial Camarón de la Isla, aprendiendo el camino del acompañamiento al cante.
A la edad de 19 años participa en el XXII Certamen Internacional de Guitarra Flamenca organizado por la peña Los Cernícalos, quedando finalista.
Un año después colabora en el Festival Internacional de Flamenco de Jerez de la Frontera, acompañando a las bailaoras Ángeles Gabaldón y Rosario Toledo.
Al mismo tiempo colabora con el pianista Sergio Monroy en varios festivales, entre ellos el Festival de Jimena.
En 2008 se traslada a Sevilla donde empieza a trabajar en los diferentes tablaos sevillanos: El Arenal, Los Gallos, el Auditorio Álvarez Quintero.
Ese mismo año colabora en la Bienal de Sevilla 2008 en el espectáculo de David Morales “El Indiano”, acompañando dentro del mismo a la bailaora Rosario Toledo.
A principios de 2009 compone la música junto al guitarrista Manuel Parrilla para el espectáculo “Escuela de Arte” de El Carpeta, con quien participa también en la nueva obra cinematográfica de Carlos Saura.
En estos últimos años trabaja con artistas como Miguel Poveda, Niña Pastori, Ana Morales, Rafael de Utrera , Andrés Peña, Joaquín Grilo, Rafael Estévez, Nani Paños, Rafael Campallo, Farruco, La Farruca, Rubén Olmo, Pilar Ogalla, Úrsula López, Choro Molina, Rocío Márquez, entre otros.
Garry Walker, director Bedford, Wonderful No-Headed Nightingale | Jiménez, obra de estreno | Grúa, obra de estreno | Matthews, Contraflow | Birtwistle, Carmen Arcadiae Mecanicae Perpetuum
La London Sinfonietta es una orquesta de cámara británica con sede en Londres. Fue fundada en 1968. Su sala de conciertos habitual es el Southbank Centre. El conjunto está especializado en música clásica contemporánea, así como obras de una variedad muy amplia de géneros. Interpretan clásicos modernos estrenando obras a nivel mundial y interpretan música de artistas electrónicos así como música popular o jazz. A través de colaboraciones frecuentes con coreógrafos, artistas de vídeo y cineastas, el conjunto llega numerosas audiencias.1
Directores
Nicholas Snowman y David Atherton fundaron la orquesta en 1968. Atherton fue el primer director musical, desde 1968 hasta 1973. Michael Vyner ocupó el cargo de director artístico desde 1972 hasta 1989. Paul Crossley hizo lo mismo desde 1988 hasta 1994. Markus Stenz ocupó el cargo de director musical desde 1994 hasta 1998. El compositor Oliver Knussen fue el director muscial desde 1998 hasta 2002 y es el director emérito de la orquesta. El director artístico del conjunto desde 1998 hasta 2006 fue Gillian Moore tras haber ocupado el cargo de educador oficial durante 10 años.
Miembros
London Sinfonietta Principal players: Flute: Michael Cox Oboe: Gareth Hulse Clarinet: Mark van de Wiel Bassoon: John Orford Saxophone: Simon Haram Horn: Michael Thompson Trumpet: Alistair Mackie Trombone: Byron Fulcher Violin 1: Jonathan Morton Violin 2: Joan Atherton Viola: Paul Silverthorne Cello: Timothy Gill Double Bass: Enno Senft Piano: John Constable Harp: Helen Tunstall Percussion: David Hockings Sound Intermedia: Ian Dearden & David Sheppard
Conlon Nancarrow: Estudio No. 7 - la transcripción de música de cámara de mikhashoff Yvar en colaboración con Charles Schwöbel (1989) (estreno mexicano) György Ligeti: Concierto para violonchelo y orquesta (1966) Wolfgang Rihm: Chiffre II - El silencio a ser golpeado (1983) (estreno mexicano) - Pause - Hanspeter Kyburz: anceps (2014/15) (Estreno mexicana) (1) Vito Zuraj: Runaround para Blechbläserquartett y Ensemble (2014) (estreno mexicano) Director: Franck OLLU Solistas: Michael M. Kasper (violonchelo), Saar Berger (Horn ), Valentín Garvie (trompeta), Nenad Markovic (trompeta) y Mikael Rudolfsson (trombón) (1) encargado por el Ensemble Modern, con el apoyo de la FrankfurtRheinMain Fondo Cultural y la Fundación Ernst von Siemens Music.
Ensemble Modern es un conjunto internacional dedicada a la realización y promoción de la música de compositores modernos. Formado en 1980, el grupo tiene su sede en Frankfurt, Alemania, y compuesto por diversas de una veintena de miembros de numerosos países.
Historia
Ensemble Modern fue fundada en 1980 por los miembros de la Junge Deutsche Philharmonie. Desde el principio, el conjunto decidió organizarse democráticamente. No hay director artístico o director titular; . en cambio, todos los proyectos, producciones y los asuntos financieros se deciden y apoyados por los músicos directamente [1] En la actualidad, el conjunto combina 21 solistas de diferentes orígenes: Argentina, Bulgaria, Alemania, Grecia, India, Israel, Japón, Suiza, y los Estados Unidos.
Desde 1985, el Ensemble Modern se ha basado en Frankfurt am Main, Alemania. Ofrecen una serie de suscripción en la Alte Oper de Frankfurt, sede de producciones de ópera regulares en cooperación con la Ópera de Frankfurt. Desde 1993, la Ópera de Frankfurt ha celebrado el "Happy New Ears" serie de talleres en los que se invita a compositores para presentar y discutir sus trabajos. [3] El alcance programático del conjunto incluye teatro musical, música de cámara, música de orquesta, así como proyectos de danza y video. Con los años, el Ensemble Modern ha tenido colaboraciones importantes con muchos compositores, entre ellos John Adams, George Benjamin, Hans Zender, Peter Eötvös, Heiner Goebbels, Hans Werner Henze, Mauricio Kagel, Helmut Lachenmann, György Kurtág, György Ligeti, Benedict Mason, Karlheinz Stockhausen, Johannes Quint, Steve Reich y Frank Zappa.
Cada año, el Ensemble Modern da unos 100 conciertos y un promedio de 70 nuevas obras, entre ellas unos 20 estrenos. El conjunto fue declarado "Leuchtturm" o "Beacon" de la cultura contemporánea en Alemania por el alemán Fundación Federal Cultural en 2003. Varias giras han llevado al grupo a África, Australia, China, India, Japón, Corea del Sur, América del Sur, Taiwán , Rusia y Estados Unidos. Se representa con regularidad en los principales festivales, incluyendo entre otras cosas, el Festival de Salzburgo, Klangspuren Schwaz, el Berliner Festspiele, el Festival de Lucerna, el Festival d'Automne à Paris y el Festival Ars Musica de Bruselas.
En 2003, la Academia Internacional Modern Ensemble (IEMA) fue fundada. La Academia, en conjunto con la Universidad de Frankfurt de Música y Artes Escénicas (HfMDK), ofrece una maestría de un año para los compositores, directores de orquesta, instrumentistas, y los ingenieros de sonido. Además, IEMA ofrece becas, clases magistrales, y diversos programas de extensión.
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El Ensemble Modern (EM) es uno de los principales conjuntos de música contemporánea y actualmente consta de 19 Solis th de diferentes países. Fundada en 1980, tiene su sede en Frankfurt am Main desde 1985. El Ensemble Modern es famoso por su singular forma industrial y organizacional sin director artístico. El ancho de banda programática distintivo comprende teatro musical, proyectos de danza y video, música de cámara, conjunto y conciertos orquestales. Viajamos por el Ensemble Modern ya a África, Australia, China, India, Japón, Corea, América del Sur, Taiwán, Rusia y los EE.UU.. Regularmente en unos 100 conciertos que se produce en los festivales de renombre y lugares de circulación en todo el mundo. En estrecha colaboración con los respectivos compositores, los músicos un promedio de 70 nuevas obras cada año, incluyendo cerca de 20 en 1980 y situado en Frankfurt am Main desde 1985, el Ensemble Modern (EM) es uno de los principales conjuntos del mundo de la música contemporánea. En la actualidad, la EM se compone de 19 solistas de diferentes países. El Ensemble Modern es famoso por su trabajo especial y la forma de organización y su programa único y distintivo hizo constar de teatro musical, proyectos de danza y video, música de cámara, conjunto y conciertos orquestales. El Ensemble Modern ha ido de gira a África, Australia, China, India, Japón, Corea, América del Sur, Taiwán, Rusia y Estados Unidos. Se realiza regularmente en festivales de renombre y lugares destacados de todo el mundo. El Ensemble Modern da aproximadamente 100 conciertos al año. Al trabajar en estrecha colaboración con los compositores Ellos Mismos, el Ensemble Modern ensaya en promedio de 70 nuevas obras cada año, 20 de los cuales son del mundo
Cécile McLorin Salvant nació y se crió en Miami el 28 de agosto de 1989 (26 años) , en Florida de madre francesa y padre haitiano. Comenzó los estudios de piano clásico a los 5, y comenzó a cantar en la Sociedad Coral de Miami a los 8. Al principio, ella desarrolló un interés en la canto clásico, comenzó a estudiar con instructores privados, y más tarde con Edward Walker, profesor vocal en la Universidad de Miami.
En 2007, Cécile se trasladó a Aix-en-Provence, Francia, para estudiar derecho, así como la canto clásico y barroco en el Conservatorio Milhaud Darío. Fue en Aix-en-Provence, con reedist y profesor Jean-François Bonnel, que ella comenzó a aprender acerca de la improvisación, repertorio instrumental y vocal que van desde la década de 1910 en, y cantó con su primera banda. En 2009, después de una serie de conciertos en París, grabó su primer disco "Cécile", con Jean-François Bonnel París Quintet. Un año más tarde, ganó el concurso Thelonious Monk en Washington DC
Cécile realiza interpretaciones únicas de composiciones de jazz y blues desconocidos y apenas registradas. Ella se centra en una representación teatral del estándar de jazz y compone música y letra que también canta en, su lengua materna francesa, así como en español. Ella goza de popularidad en Europa y en los Estados Unidos, actuando en clubes, salas de conciertos y festivales acompañado por músicos de renombre como Jean-François Bonnel, Rodney Whitaker, Aaron Diehl, Dan Nimmer, Sadao Watanabe, Jacky Terrasson (ella era la cantante invitada en su último disco, gouache), Archie Shepp, y Jonathan Batista. Ella es la voz de "Chance" campaña publicitaria de Chanel, por tercer año consecutivo. En agosto de 2012, Cécile registró WomanChild para la abel Mack Avenida L con Aaron Diehl, Rodney Whitaker, Herlin Riley y James Chirillo.
Cécile ha actuado en numerosos festivales como el Jazz à Vienne, Ascona, Whitley Bay, Montauban, Foix, con Wynton Marsalis y la Orquesta de Jazz at Lincoln Center, en el Lincoln Center de Nueva York y Symphony Center de Chicago y con su propia banda en el Kennedy Center, el Festival de Spoleto de Jazz, Festival de Jazz de Detroit y otros lugares.
"WomanChild" de Cécile fue nominado en 2014 para el Grammy al Mejor Album Vocal de Jazz.
* Cécile realiza interpretaciones únicas de composiciones de jazz y blues desconocidos y apenas registradas. Ella se centra en un teatro, ya veces irónico, interpretación de la norma jazz y apenas comienza a componer sus propias piezas instrumentales y canciones. Ella también está comenzando a cantar en, su lengua materna francesa, así como en español. Ella goza de creciente popularidad en Europa y en los Estados Unidos, actuando en clubes, salas de conciertos, spiegeltents y festivales acompañados por músicos de renombre como Jean-François Bonnel, Rodney Whitaker, Aaron Diehl, Dan Nimmer, Jonathan Batiste, Jacky Terrasson ... Ella canta para el segundo año consecutivo de «probabilidad» la campaña publicitaria de Chanel. Ben Ratliff, del New York Times: "... Era divertida y extrema e idiosincrásica, y nunca cursi-coqueta o hip amanerado ... Mientras ella cantaba menos opciones -than obvias set ... ella estampan las líneas con autoridad y poder y un poco de extravagancia, como si fueran verdades, no asignaciones historia. Ella se concentró en las notas, cantó en el rastreo tempos más de una vez, hicieron su voz en una puerta chirriante, una niebla ..., entonces un láser.
Ella se quedó en terreno de juego y creció alarmantemente tranquila en los versos finales de la Bessie Smith, convirtiendo la canción, sobre rechazando los avances de un hombre rudo, en una historia extravagante. Puso jugadores de la banda de la casa en la facilidad, manteniendo una estrecha vigilancia sobre los solos ... Ella parecía fresco, pero también como si hubiera decidido hace mucho tiempo que ella era un artista. "La revista Paris Hot Club ha llamado un" cantante verdadera y notable jazz ... un joven prodigio del jazz ". Cécile ha actuado en numerosos festivales como el Jazz à Vienne, Ascona, Whitley Bay, Montauban, Foix, con Wynton Marsalis y la Orquesta de Jazz at Lincoln Center, en el Lincoln Center de Nueva York y Symphony Center de Chicago y con su propia banda en el Kennedy Center, el Festival de Jazz de Spoleto, Festival de Jazz de Detroit y otros lugares.
Salvant ganó cuatro categorías en las 2014 Down Beat Critics Poll:. Jazz Album del Año, Cantante Femenina, Rising Star-Jazz Artist y Rising Star-Vocalista Femenina
Su tercer álbum, For One to Love, fue lanzado el 5 de septiembre de 2015, con buenas críticas del New York Times, The Guardian, y Los Angeles Times.
For One to Love, es un álbum de estudio por el estadounidense de jazz cantante Cécile McLorin Salvant. Es el tercer álbum general de la cantante y el seguimiento a su LP debut, WomanChild (2013).
Recepción de la crítica
El álbum fue lanzado con gran éxito de crítica en publicaciones como el New York Times, The Guardian, y Los Angeles Times.
* La pianista germano-japonesa Alice Sara Ott (Múnich, 1988) y el pianista luxemburgués Francesco Tristano (Luxemburgo, 1981) rinden homenaje a dos y cuatro manos a una de las figuras más carismáticas y fundamentales de la danzada rusa, Serguéi Diaghilev, empresario y padrino de algunos de los más importantes ballets de principios de siglo pasado. En su recorrido por piezas inmortales que han bailado los más importantes solistas de danza se dan cita obras de Debussy, Ravel o Igor Stravinski, con el que el empresario ruso colaboró intensamente. La consagración de la primavera, Bolero, Tres nocturnos... melodías que todo el mundo asocia a los dibujos aéreos de tantos y tantos ballets, ahora plasmados en dos jóvenes teclados.
* En menos de cinco años, la pianista alemana-japonesa de veinticuatro años Alice Sara
Ott ha ganado críticas aclamadoras por sus interpretaciones en las salas de concierto
más importantes del mundo y se ha consolidado como uno de los talentos más
apasionantes de hoy en día.
Conciertos recientes han visto a Alice interpretar con la Orquesta Sinfónica de Frankfurt
(con Paavo Järvi) en Japón, la Orquesta Filarmónica de Oslo (Xian Zhang), Orquesta
Sinfónica Nacional Danesa (Thomas Dausgaard), Orquesta Tonkünstler Niederösterreich
(Jun Märkl) y la Orquesta Sinfónica NDR (Thomas Hengelbrock). Alice también ha tenido
gran éxito con sus recitales debut en las Series Internacionales de Piano de Londres
además de en el Festival Verbier , Teatro Mariinsky, Concertgebouw de Ámsterdam y
Centro Nacional de Arte de Ottawa. Aparece recientemente en el Festival de piano Ruhr,
Festival de Música Schleswig-Holstein y Festspiele Mecklenburg-Vorpommern e hizo su
debut en el Festival de Lucerna en otoño de 2010.
En 2012/13 Ott apareció con la Filarmónica de Munich y la Orquesta Sinfónica NHK en
Tokio, ambas bajo la batuta de Lorin Maazel. Los conciertos de Munich serán grabados
como parte del programa Arte Maestro para ser emitido en 2013. El concierto en Tokio es
seguido por una gira de recital en Japón. Otros compromisos esta temporada incluyen la
Orquesta Filarmónica Checa, (bajo Krzysztof Urbański), Orquesta Nacional de Bélgica,
Orquesta Filarmónica Real de Liverpool, Orquesta Beethoven de Bonn y la Orquesta
Sinfónica de Barcelona. En recital, ofrece debuts en Le Poisson Rouge de Nueva York y el
Centro Symphony de Chicago, y volverá a Laeiszhalle de Hamburgo, las Series
Internacionales de Piano de Londres y la Kammermusiksaal de Berlín.
Alice ha grabado en exclusiva con Deutsche Grammophon desde 2008, con su gran
exitoso debut de la grabación de los 12 Études d’exécution transcendante de Listz
rápidamente continuado con un segundo álbum de los valses completos de Chopin,
entrando en la lista clásica de iTunes como el álbum Nº 1 tanto en Alemania como en
EEUU. El álbum debut de concierto con piezas de Tchaikovsky y Liszt (con la Filarmónica
de Munich y Thomas Hengelbrock) fue nombrado como la Elección del Editor en la revista
Piano Internacional y Classic FM. Alice ha recibido además el premio al Joven Artista del
Año en los Premios Echo Klassik por su grabación de Chopin en octubre de 2010. Su último CD de las Sonatas de Piano de Beethoven fue lanzado en agosto de 2011. Enero
de 2013 verá la publicación de su grabación en directo de su interpretación en el Teatro
Mariinsky, grabado en julio de 2012 durante el Festival de las Noches Blancas de San
Petersburgo. Un segundo CD continuará en la primavera de 2013 en la cual se unirá a la
violinista Batiashvili con piezas de Clara Schumann.
* Joven músico y compositor, causa el mismo efecto en la escena moderna que en las
salas clásicas de concierto. La osadía de Francesco Tristano combina épocas y estilos. El
luxemburgués tiene una actitud abierta que se muestra en casi todo lo que hace,
rechazando los límites y convencionalismos. Tristano es conocedor de las pautas que han
seguido las diferentes generaciones de pianistas clásicos y ha elegido ignorarlas.
Tristano, nacido en 1981, descubrió el piano a los cinco años. A los 13, tocó su primer
concierto, presentando sus propias composiciones. Más tarde fue de gira como solista
con importantes orquestas como Orquesta Nacional de Rusia, Deutsches SymphonieOrchester
Berlin y Orquesta Filarmónica de Hanoi entre otras. Tristano fundó su
ensemble de cámara, The New Bach Players, el cual dirige. Este ensemble rompe con los
convencionalismos técnicos y estéticos.
Tristano estuvo en la Juilliard School de Nueva York durante cinco años. Esta ciudad le
abrió las puertas de la música de club y electrónica. En 2004, ganó el primer premio en el
Concurso Internacional de Piano de Música Contemporánea en Orleans, Francia.
Francesco Tristano ha publicado doce álbumes, entre ellos grabaciones de las
Variaciones Goldberg de Bach y los conciertos completos de piano, las obras completas
para piano de Luciano Berio y las Toccatas de Girolamo Frescobaldi. ‘Not for Piano’
(inFine, 2007), cuenta con sus propias composiciones así como versiones techno de
obras clásicas. ‘Idiosynkrasia’ (inFine, 2010), grabado en Planet E-communications de
Carl Craig en Detroit. Tristano es artista de Deutsche Grammophon y está a punto de
lanzar su tercer album con este sello. Su ‘bachCage’, producido por Moritz von Oswald,
salió al mercado con DGG en 2011. Otras colaboraciones y remezclas han sido
publicadas por Innervisions, CLR, Visionquest, PIAS e Inflyte.
Estará presente en el Cervantino 2015 con dos producciones
"LOStheULTRAMAR" y “laAUDICIÓN”
Desde su fundación en 1999 en Alemania, Foco alAire producciones se ha configurado como una compañía cuyo trabajo creativo está sustentado en la reflexión y el cuestionamiento de la representación escénica y el papel que juega en ella el lenguaje del cuerpo. En escena la conjugación de elementos y objetos imprescindibles dan como resultado un sello original a cada una de las puestas en escena.
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LOStheULTRAMAR
LOStheULTRAMAR, montaje escénico para espacios no convencionales de Foco alAire producciones, obra que mereció el Premio Nacional de Danza INBA-UAM-UNAM 2012
Jueves 8 Oct | 20:00 hrs | México | 30 min escalinatas del Teatro Juárez Evento de calle Gratuito
Viernes 9 | 12:00 hrs| México | 30 min Kiosco del Jardín Unión Sábado 10 | 12:00 hrs y a las 18:00 hrs| México | 30 min Kiosco del Jardín Unión Domingo 11 | 12:00 hrsy a las 18:00 hrs | 30 min Plaza San Fernando
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“laAUDICIÓN”
en el programa está como SalóN ConTinenTaL Viernes 9 Oct | 23:30 hrs | México | 60 min Mesón de San Antonio: El Trasnoche
$250 compra aquí tus boletos
“PRESTIDIGITADORES DE IMÁGENES, La propuesta escénica, es, en esencia, la recreación de imágenes ficticias y metafóricas, la resignificación de una voz a través del juego de sustraer a cantantes únicos y memorables: esa voz, y con ello, animarlos, darles vida a través de la interpretación de otro ser, de otro cuerpo vivo. La suprarrealidad que deja al desnudo a las almas y los cuerpos que viven tan sólo a través de una voz que no es la suya. El canto como un elemento perturbador del entorno y de los observadores para exponer, de manera cruda, la tremenda fragilidad del ser humano y la reverberación de sus deseos.”
*Mefistófeles (título original en italiano, Mefistofele) es una ópera en cuatro actos, con prólogo y epílogo; con música y libreto del compositor italiano Arrigo Boito (1868), con la que pretendió introducir en Italia el estilo wagneriano.
Historia
Composición
Boito empezó a considerar una ópera sobre el tema faustiano después de terminar los estudios en el Conservatorio de Milán en 1861. Mefistófeles es una de las muchas obras de música clásica que se basa en la leyenda de Fausto, y como muchos otros compositores, Boito usó la versión de Goethe como su punto de partida. Boito era un gran admirador de Richard Wagner, y como él escribió su propio libreto, algo insólito en la óper italiana de la época.
La obra anterior más popular basada en la leyenda fue la ópera de Gounod Fausto, que Boito consideraba como un tratamiento superficial y frívolo de un tema profundo. Más aún, Boito despreciaba lo que él veía como bajos estándares operísticos en la Italia de su época, y decidió hacer su propia obra que se distinguiese, tanto musical como intelectualmente, de cualquier cosa que habían oído antes. Esperaba que sería un toque de atención y una inspiración para otros jóvenes compositores italianos.
La partitura vocal para piano fue terminada en 1867 mientras Boito estaba visitando a unos parientes en Polonia.
Representaciones
Fue estrenada el 5 de marzo de 1868 en La Scala de Milán bajo la batuta del propio compositor, a pesar de su falta de experiencia y habilidad como director. Conforme la tarde fue progresando la hostilidad del público, poco familiarizado con el estilo musical de vanguardia de Boito y no impresionados por muchas de las escenas (principalmente la escena en la corte del emperador), se incrementó constantemente. Más aún la obra era demasiado larga y el elenco inadecuado para las complejidades de la música. Cuando finalmente cayó el telón después de media noche quedó claro que el estreno había sido un fracaso. Después de sólo dos interpretaciones (la segunda fue dividida en dos noches), la ópera fue retirada.
Boito inmediatamente se puso a trabajar revisando la ópera, reduciendo grandemente su longitud y haciendo muchas escenas en menor escala. Por ejemplo, quitó todo el Acto IV original y reescribió el Acto V como un epílogo, añadiendo el dúo Lontano, lontano en el proceso. Fausto fue cambiado de barítono a tenor. La versión revisada se estrenó en el Teatro Comunal de Bolonia el 4 de octubre de 1875, esta vez cantada por un reparto que se considera más apropiado, y fue un éxito inmediato.
Este cambio en recepción se cree que en parte se debió a las revisiones de Boito haciendo la ópera más tradicional en estilo, y también al público italiano, que estaba más familiarizado con, y más deseoso de aceptar, desarrollos en la ópera relacionada con Wagner. Boito hizo algunos cambios menores en 1876. Esta versión se estrenó en el Teatro Rossini de Venecia el 13 de mayo de 1876. Junto al Faust de Charles Gounod es quizás una de las obras basadas en la pieza de Goethe, más famosas.
La primera representación británica tuvo lugar en Her Majesty's Theatre, Londres el 6 de julio de 1880 y el estreno estadounidense fue el 16 de noviembre de 1880 en Boston.3 4 Más tarde Boito continuó haciendo pequeños cambios hasta la versión definitiva, estrenada el 25 de mayo de 1881 en La Scala de Milán.
A principios del siglo XX, las reposiciones de la ópera se relacionaron particularmente con el famoso bajo ruso Fiódor Chaliapin: cantó el rol titular con ocasión de su primera aparición fuera de Rusia (La Scala, Milán, 16 de marzo de 1901) y también en su estreno norteamericano (Metropolitan Opera, Nueva York, 20 de noviembre de 1907).4 Chaliapin hizo su primera aparición en la Royal Opera House, Covent Garden el 25 de mayo de 1926. Parte de una representación posterior el 31 de mayo fueron grabados por His Master's Voice.5
La Metropolitan Opera ha representado la obra un total de 67 veces desde que apareció allí por vez primera el 5 de diciembre de 1883, más recientemente en febrero de 2000.6 La Royal Opera en Londres sólo ha dado una representación de la ópera, una versión de concierto en marzo de 1998 en el Barbican Centre, con Samuel Ramey como el personaje titular.7 Como Mefistófeles, el bajo estadounidense hizo de este un rol destacado, apareciendo en muchas producciones en los ochenta y principios de los noventa, incluyendo una por la Ópera de San Francisco en noviembre de 19948
Esta ópera se representa poco; en las estadísticas de Operabase aparece la n.º 183 de las óperas representadas en 2005-2010, siendo la 56.ª en Italia y la primera de Boito, con 16 representaciones en el período.
Lugar de estreno
La Scala Milán
Fecha de estreno
5 de marzo de 1868
Personajes
Mefistófeles (bajo)
Fausto (tenor lírico-spinto)
Margarita (soprano lírico-spinto)
Martha (contralto)
Wagner (tenor ligero)
Helena de Troya (soprano dramática o mezzosoprano)
Nereo (tenor lírico o ligero)
Pantalis (contralto)
Ángeles, espíritus diabólicos, gente del pueblo, personajes mitológicos1
Participación destacable del Coro
Duración ca. 2 horas y media
Argumento
Prólogo en el cielo
Paraje nebuloso en medio del espacio.
Los querubines, las falanges celestiales y las almas santas cantan loores al Señor. Pero aparece Mefistófeles, el espíritu del Mal. Reta a Dios a que puede hacer caer a uno de sus más fervientes siervos, que añora el saber por encima de todo. Se refiere a Fausto, nombrado por los coros celestiales. La apuesta es aceptada.
Acto I
Cuadro I. El Domingo de Resurrección
Puerta de la ciudad de Fráncfort.
La primera escena transcurre en una puerta de salida de la ciudad de Fráncfort del Meno. Suenan campanas festivas, el pueblo se divierte. Entre todo el alboroto pasea un fraile encapuchado, que es vituperado y señalado. Entre tanto llegan el anciano Fausto y su ayudante Wagner paseando, de lo cual se enorgullece Wagner, por ir haciendo tal cosa al lado de tan sabia y digna persona como su amigo el doctor, el cual describe en una maravillosa y fina aria (en contraste con los escandalosos sones anteriores) la huida del invierno ante la llegada de la primavera. Transcurren danzas frenéticas del populacho, de clara esencia melódica, lo que hace que Wagner quiera apartarse al fondo con su compañero. Cuando se quedan solos, Fausto se queda mirando absorto las tinieblas del atardecer, cuando se dan cuenta del fraile. Fausto advierte que le arden los pies, y que sus huellas dejan un cerco de fuego, que el infierno lo acecha, a lo que Wagner, temeroso, intenta disuadir con palabras tranquilizadoras. Se van y el coro prosigue con sus juegos y danzas. Musicalmente caben señalar los frenéticos ritmos de los bailes populares y el aria de Fausto.
Cuadro II. El pacto Laboratorio de Fausto.
Hay un evangelio abierto. El fraile lo ha seguido al volver a casa y se esconde en la oscuridad. Fausto canta el placer de volver al hogar cuando el fraile se presenta. Fausto, aterrado, lo interpela, y Mefistófeles se revela en forma de caballero. Fausto ríe la broma y le pregunta su prpósito, así como quién es. Mefistófeles se lo explica en el aria Son lo spirito che nega: es el espíritu que siempre niega, que desea la destrucción, ¡¡y que siempre silba, silba, silba!!. El aria va acompañada y finalizada con fuertes silbidos. Le ofrece ser su siervo a cambio de que él lo sea "allí abajo", ofreciéndole todo lo que pueda desear, amor y saber. Fausto acepta el trato, que se verá sellado si llega a conocer todo sobre sí mismo y sobre el mundo, llegando el instante extático en el que le diga a un momento: "¡Detente, eres bello!". El dúo continúa con naturalidad, y estalla en la alegría de entrambos por la felicidad del acuerdo, con un ritmo vital y fresco. El acto termina cuando Fausto pregunta que dónde están los sirvientes, los pajes, los carruajes y la algarabía de la riqueza y el placer prometidos... y Mefistófeles le dice que solo basta con abrir su mantón y volar por los aires. Dúo: Se tu mi doni - "Si tú me das".
Acto II Cuadro I. El jardín
Fausto, rejuvenecido, acude al jardín de Margarita, una joven campesina del pueblo. Fausto la corteja bajo el nombre de Enrique. Cantan sus amores y deseos, recordando sus momentos, como la primera vez que se vieron en la calle; mientras tanto, Mefistófeles atrae a Marta, vieja lasciva, diciéndole irónica y fuertemente que nunca ha conocido el amor. Es un cuarteto a partes, entre soprano-tenor, bajo-mezzosoprano, de ligera estructura musical. Fausto le pide a Margarita un momento para poder hacer el amor con ella, y ella le dice que es casi imposible: duerme con su madre, que tiene un sueño leve. Él le da una ampolla con un somnífero para que se lo de, y puedan acariciarse sin problemas.
Cuadro II. La noche de aquelarre
Mefistófeles lleva a Fausto a las Montañas del Hartz, para la Noche de Walpurgis, el Sabbat. Mefistófeles le dice a Fausto que acelere el paso, y una vez que coronan una elevación rocosa, comienzan a llegar brujos y brujas, espectros vivientes del mundo, que alaban a Satanás, el cual, después de habérsele ofrecido una esfera de cristal como si fuese el mundo, le canta solo Ecco il mondo - "He aquí el mundo". El aria se corona con el arrojo al suelo de la esfera, y el estallido del mundo en mil millones de pedazos, a lo cual la furente multitud, empapada de sudor, lodo y sangrienta viscosidad, responde danzando endiabladamente alrededor de un hirviente caldero de vísceras pútridas, riendo y copulando, bajo un manto de notas de los metales y un coro largo e intenso. Fausto, en la noche del Sabbat, tiene una visión de Margarita encadenada. Mefistófeles le responde que era un espíritu maligno (la medusa).
Acto III La muerte de Margarita
Margarita aparece en una prisión a punto de ser ejecutada al alba por el verdugo cortándosele la cabeza, culpada de haber ahogado a su hijo y de envenenar a su madre. El acto comienza con su aria L'altra notte, quejándose de su suerte y exculpándose de esos actos. Llega Fausto en ese momento con Mefistófeles para salvarla, el cual ha conseguido milagrosamente las llaves y tiene dos corceles preparados afuera para salir huyendo precipitadamente. Margarita no quiere irse, y recuerda tiempos más felices al lado de su amado Fausto. Él, desesperado, no puede más y le ruega sollozante y casi ahogado que se marchen rápidamente. Margarita pide perdón a los cielos por sus pecados y se aterra de ver al maligno. Por fin comprende que irse con Fausto es el camino al infierno, mientras que si se queda y expía su culpa, se dirige a la redención. Aparecen los coros celestiales y el alma de Margarita asciende al cielo, después de decirle a "Enrique" que le da asco. Fausto y Mefistófeles huyen.
Acto IV La noche del aquelarre clásico Orillas de un río en la Antigua Grecia.
Helena y las cariátides cantan coros estáticos a la belleza y el amor. Mefistófeles y Fausto llegan, y el demonio dice que es mejor que se separen por caminos diferentes, para disfrutar más del placer individual. Mefistófeles se aburre, y añora sus brujas del norte, de las que sabe hacerse loar más fácilmente. Helena tiene una visión de la guerra de Troya (Ilión), en el aria Notte cupa, acompañada con coro. Fausto aparece vestido como un caballero del siglo XV y enamora a Helena arrodillándose ante ella y admirándole su ideal belleza. Entre Mefistófeles y los coros de Cariátides y Nerón, adoran a la pareja ideal, tan hermosa y pulcra, mientras ella se canta su amor. Fausto, enamorado de Helena, se queda a vivir en la Arcadia. Dúo Ah! Amore, misterio celeste.
Epílogo La muerte de Fausto El laboratorio.
Fausto se ha hecho viejo. Se sienta en su alcoba, como al principio, con el Evangelio abierto, y Mefistófeles se encuentras detrás de él, acechándole. Fausto ha vivido tanto el amor real (Margarita) como el amor ideal (Helena de Troya), comprendiendo que la felicidad nunca es eterna. Mefistófeles no lo comprende. Dúo Cammina. Fausto expresa su deseo de ser rey de un país de gente trabajadora y laboriosa, que se ganara con esfuerzo, paz y grato conformismo cada día su subsistencia, regida por unas leyes sabias y excelsas para todos, de la que él vería nacer con bondad y ternura miles de generaciones santas (A.: Giunto sul passo). Mefistófeles intenta hacerle cambiar de idea, lo tienta. El cielo desciende, y un coro de ángeles y alados querubines cantan alabanzas al Señor. Fausto se admira ante semejante aparición y, lleno de religiosidad, se olvida de la Tierra y sus placeres mundanos. Al final, muere, y Mefistófeles se hunde en la tierra.
Grabaciones
Grabación histórica según La discoteca ideal de la ópera, de Roger Alier y otros12 es la que hizo de esta ópera
Tullio Serafin con Cesare Siepi (Mefistofele), Renata Tebaldi (Margherita), Mario del Monaco (Fausto), Floriana Cavalli (Elena), Lucia Danieli (Marta) con la Orquesta y coro de la Academia de Santa Cecilia de Roma (1957). Decca.
* Mefistófeles (también llamado Mefisto y otras variantes) es un demonio del folclore alemán. Mefistófeles es comúnmente considerado como un subordinado de Satanás encargado de capturar almas, o bien como un personaje tipo de Satanás mismo.
Durante el Renacimiento, era conocido por el nombre de Mefostófiles, forma de la cual se deriva una de sus posibles etimologías, según la cual el nombre procede de la combinación de la partícula negativa griega μὴ, φῶς (luz), φιλής (el que ama), o lo que es lo mismo: el que no ama la luz. Sin embargo, el significado de la palabra no se ha establecido por completo. Butler menciona que el nombre sugiere conjeturas en idiomas griego, persa o hebreo. Entre los nombres sugeridos, están Mefotofiles (enemigo de la luz), Mefaustofiles (enemigo de Fausto), o Mefiz-Tofel (destructor-mentiroso).
Extendido por el Romanticismo y universalizado por el Fausto, simboliza el proceso de pérdida de fe y concreción a lo práctico según un sistema moral propio de las sociedades avanzadas como consecuencia de la Revolución científica y la industrial.
Mefistófeles es presentado muchas veces como una figura tragicómica, atrapado entre su victoria al lograr que las grandes masas dejen de considerar a Dios en el centro de todas las cosas, y su derrota al perder relevancia él también por el mismo motivo. En el aspecto gráfico, Mefistófeles ha sido mostrado como la representación más refinada del mal, siendo caracterizado con ropas fastuosas dignas de la nobleza y con una mente fría, racional y con un alto nivel de lógica, misma que utilizaría para atrapar mentalmente a las personas y hacer que siguiesen sus designios.
En el arte
En la literatura
Mefistófeles es un personaje clave en todas las versiones de Fausto, siendo de éstas la más popular la del escritor alemán Johann Wolfgang von Goethe. Sin embargo es en la obra de Christopher Marlowe (anterior al Fausto de Goethe e inspiración de este) en donde aparece este personaje por primera vez. En La trágica historia del doctor Fausto, Mefistófeles se le aparece al Dr. Fausto, un viejo científico, cansado de la vida y frustrado por no llegar a poseer los conocimientos tan amplios que desearía tener, que decide entregarle a este diablo su alma a cambio de alcanzar la cumbre de la sabiduría, ser rejuvenecido y obtener el amor de una bella doncella.
En la música
El compositor de música clásica y ópera Arrigo Boito presenta en 1868 en La Scala de Milán su ópera Mefistofele. El estreno no es bien recibido y provoca desórdenes y peleas por su supuesto "wagnerismo"; después de dos representaciones la policía interrumpe las funciones. Boito hace varias revisiones de la ópera y realiza cortes (la parte de Fausto, escrita para un barítono, es reescrita para tenor). La nueva versión, presentada en 1876 en el Teatro Comunal de Bolonia, es un gran éxito y a partir de entonces forma parte del repertorio más conocido de óperas y es presentado con frecuencia. El papel más famoso del tenor Beniamino Gigli (1890-1957) fue justamente el de Fausto de esta Mefistofele.
El grupo musical Enigma creó un tema llamado Dancing with Mephisto (Bailando con Mefisto) en el año 2006, en el que este personaje, a través del canto, busca tentar a su interlocutor diciéndole: «Sígueme, / ven y ve / la infinidad, la eternidad».
El grupo de power metal Kamelot posee una canción llamada «March Of Mephisto» («la marcha de Mefisto») en su disco The Black Halo.
Sting también lo cita en «Wrapped Around Your Finger» para aludir la oscura sabiduría del personaje de su canción (The Police: disco «Synchronicity», 1983):
Mephistopheles is not your name [Mefistófeles no es tu nombre] / but I know that you're up to just the same [pero sé que te propones lo mismo que él] / I will listen hard to your tuition [Escucharé atentamente tu enseñanza] / and you will see it come to it's fruition [y verás que da su fruto]
La canción cita también a personajes de la mitología griega, y su significado alude a la relación de posesión entre dos amantes, en la que la dirección de sometimiento más tarde se invierte.
Radiohead lo cita en su canción «Videotape» del álbum In Rainbows: «Mephistopheles is just beneath and he's reaching up to grab me» («Mephistopheles está debajo de mí y él está estirándose para agarrarme y apresarme»).
La banda sueca de death metal Arch Enemy tiene «Sinister Mephisto» en su segundo álbum Stigmata escrita por su líder Michael Amott.
Trans-Siberian Orchestra, en su álbum Beethoven's Last Night (ópera rock en la cual relata una historia ficticia de Ludwig van Beethoven) tiene dos canciones referentes a Mefistófeles: El tema 5 del álbum («Mephistopheles») y el tema 22 («Mephistopheles's Return»).
El personaje «Mr. MacPhisto» sería una versión presentada por Bono, el cantante de la banda U2, durante la gira «ZOO TV» a principios de los años 90.
El grupo estadounidense One Republic también lo menciona en una estrofa de su single Love Runs Out lanzado en 2014: "There's a maniac out in front of me. Got an angel on my shoulder,and Mephistopheles"
En el album "The Pale Emperor" del cantante Marilyn Manson, una de las canciones tiene el nombre "The Mephistopheles of Los Angeles" la cual hace referencias religiosas en la letra.
En los videojuegos
Mefisto es uno de los demonios a los que hay que vencer en el juego Diablo II y en su expansión Diablo II: Lord of Destruction. En este juego se lo conoce como Señor del odio que, junto a sus dos hermanos (Baal, Señor de la destrucción y Diablo, Señor del terror) conforman los llamados demonios mayores.
También se encuentra en el videojuego Neverwinter Nights: Hordes of the Underdark, como jefe final y llevando el nombre de Mefistófeles. En este juego (y en toda la cosmología de Dungeons & Dragons), Mefistófeles es señor indiscutible de Cania, el infierno helado de la octava capa de Baator, solo superado en poder por Asmodeus, señor de la novena capa y junto a ella de todos Los nueve infiernos de Baator. Mefistófeles intenta mediante sus engaños hacer caer al héroe en su trampa, intercambiando con él su lugar en el plano material por el del diablo en el infierno de Cania, donde reina bajo las órdenes de Asmodeus. Finalmente es derrotado mediante el ingenio/la fuerza y devuelto a su lugar de origen/puesto a las órdenes del héroe.
Además, es posible encontrarlo en Devil May Cry 4 como uno de los subdiablos alados. Es posible que aparezca en el Demon's Souls como enemigo o aliado dependiendo de el color del alma del jugador. El nombre del personaje Mephiles The Dark, perteneciente al universo de Sonic The Hedgehog, está basado en Mefistófeles (Mefistófeles en inglés se escribe Mephistopheles)
En los cómics
En el universo Marvel hay un villano con el mismo nombre (Mefisto). Es un demonio timador, tramposo y capaz de lo que sea para apoderarse de las almas, archienemigo principal de Ghost Rider (Johnnie Blaze).
En el manga Saint Seiya: The Lost Canvas es una de las puntas de lanza del ejército del dios Hades: Youma de Mefistófeles, Estrella Celestial del Liderazgo. Su personalidad se basa en la conocida manipulación del demonio sumado a que su poder es gigantesco al punto de manipular el tiempo y el espacio.
En el manga Shaman King el personaje Fausto VIII, quién utiliza la necromancia, es descendiente del Fausto que pactó con Mefisto.
En el manga Ao no Exorcist aparece un misterioso personaje con el mismo nombre, que es el director de la Academia Vera Cruz.
Es también uno de los personajes principales del webcómic Soul Cartel, en el que se reinterpreta la leyenda de Fausto 501 años después.2
Otras adaptaciones
«Mr. Mistoffelees», cuyo nombre también es una versión de Mefistófeles, es un personaje de El libro de los gatos habilidosos del viejo Possum de T.S. Eliot, el cual también aparece en Cats —adaptación musical del libro— de Andrew Lloyd Webber, siendo uno de los personajes principales. Se caracteriza por el engaño y el misterio, pero no de una manera negativa o siniestra.
En Argentina existe el personaje «Mefisto Félez», interpretado por el actor Casper Uncal. Esta adaptación muestra una faceta contemporánea y en extremo capitalista de este demonio, cuya característica es el discurso irónico y mordaz.
